Miuccia Prada 是时尚圈内有名的哲学家，始终关注着世界现状的发展趋势。本季，如果说数字时代的异化和过去的去语境化是 Prada 的主题，那么在 Miu Miu 中，对一个被媒体噪音、垃圾信息和标题党日益淹没的社交世界的反应，就是回归到穿衣的基本条件。为了突出中心思想，在 Palais d’Iéna（伊耶纳宫）入口大厅的传送带装置作品中，一个个悬挂的字条上抒写着“Ending Unending as a Future Moves to Past（未来走向过去，终结无期）”、“Influence Operation Disrupt Reality（影响破坏现实行动）”等标语。另外，艺术家 Goshka Macuga 设计的“The Truthless Times”为主题的报纸上，印刷的二维码可以扫描到英国作家 Shumon Basar 的文章《We’re in the Endcore Now》（我们现在正处于末核）。这篇文章反映了人类当前状况，其特点是受数码影响的个性缺失，深藏着无法预知的危机感和不确定性。Basar 提出了“Endcore”概念，描述了一个末日似乎迫在眉睫但却从未实现的时代。另外，Macuga 还放映了一部电影，由 Pathos 和 Logos 主演。片中，也发起了一个疑问，即“对真相的追求已经变成了一座监狱，到底谁控制了叙述？”

既然有问题，就需要解决问题。Prada 女士在展示这些线索的同时，完整呈现了自身思考的逻辑，以及品牌与艺术之间的对话。而这些对话围绕着导演 Zoe Cassavetes、Giada Colagrande 以及“新浪潮之母”Agnès Varda 等在拍摄电影中留下的足迹。事实上，时尚有能力在过去与未来之间不断摇摆，而又不向现在妥协太多。这也许就是哲学家 Giorgio Agamben 所说的，“现在并不存在，因为当它发生时，它已经成为过去。”换言之，时间的巧妙只在这种创造性中取得成功，而这种创造性的使命只是给人穿衣打扮，传达关于他人身体的想法。

Miu Miu 的新系列旨在探索青春初期的绝对真理。在懂得伪装之前，每个人都诚实地面对自己和理想。作为对过度刺激和信息泛滥时代的一种反应，服装的简洁性可以提供清晰度和精确度，并作为一种诚实的性格框架付诸实践。尽管这个系列的设计非常善意，而且对青春的绝对真理有些天真，但它的设计明确表达了一种愿望，那就是让时尚成为一个更简单、甚至更基本的平台。

第一套白色棉质连衣裙源自与法国童装品牌 Petit Bateau 的合作，象征着成人服装可像童装一样只追求简单姿态。而在第二套造型中，一件深蓝色毛衣被打结在了胸前，暗示着青少年的创造力可以让服装随着本能姿态发生变化。同理，在其他造型中，连衣裙被折叠、缠绕在躯干上，衬衫被扭曲，裤裙变成超短裙，童趣插画变成了刺绣贴花……一切都遵循着自发的、毫无恶意的变迁轨迹，从外部来辨别内部，带有十足的孩子气。眼前这些转变，通过对衣服和材料的操纵，正对应了 Macuga 的装置作品所提出的“操纵和伪装”的主题。

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当信息被有意呈现给大众时，偏颇性、片面性、失真性都会左右思考——毕竟，信息就是感知，就是第一印象。随即，这里又出现了第二个问题，我们熟悉的 Miu Miu 到底是怎样的？是 Prada 女士的私人衣橱？还是我们心中对于理想少女时代的畅想？

最后的最后，演员 Willem Dafoe 身着海军蓝色大衣、同色系毛衣（白衬衫领子不整齐地从毛衣中露出）和灰色科技面料长裤，以品牌标志的“知识分子风”亮相，为 Miu Miu 带来了一个新的病毒式传播时刻，也为本季系列画上一个完美的句号。其实，这已经不是 Dafoe 第一次成为 Prada 女士秀场上的模特——早在 Prada 2012 秋冬系列“Villains（恶棍）”中，Dofoe 就与 Gary Oldman、Jamie Bell 和 Adrien Brody 一同登上过伸展台。另外，模特中也混杂着我们熟悉的面孔，比如模特 Alexa Chung、音乐人 Charlotte Cardin、奥斯卡影后 Hilary Swank 等。无论这些人物带有怎样的身份，他们的出现都让带有绝对真理的青春率性流露出一种自然而然的感性。

CHANEL 四年来首次重返大皇宫（Grand Palais），这次活动不仅仅是一场简单的时装秀，更是品牌与这一标志性空间的历史性庆祝。经过长时间的翻修，大皇宫重新开放。品牌斥资 3000 万欧元支持大皇宫的艺术项目，并将中殿重新命名为 CHANEL 大皇宫，以纪念其创始人 Gabrielle Chanel。

阳光从新装修的玻璃屋顶倾泻而下，为众多到场嘉宾的刺绣斜纹软呢增添了几分光彩。尽管整场秀没有提前发布正式的创意指南，但显然 25 春夏系列的目标是为了让 Chanel 的精神永存，并歌颂其对于自由和独立的思考。此时，Chanel 曾说的那句，“人们总是想把我关进笼子里——装满承诺的枕头的笼子，金色的笼子，我用目光触碰的笼子。除了为自己打造的牢笼，我从未想要过其他的牢笼”，刚好贯穿了整个系列的主线。当然，1991 年拍摄的 Coco 香水广告中，Vanessa Paradis 如同“笼中鸟”一般在秋千上歌唱的画面，也是参考来源之一。

为了对标这一概念，CHANEL 邀请到“猫王”的孙女 Riley Keough 作为新一季的“笼中鸟”，在秀场上演唱了重新改编的《When Doves Cry》。至于设计，从活泼俏皮的短裤到褶皱的长裙再到透视裙，采用不同糖果色调，彰显品牌一贯的精致优雅；裙摆的长度时而拉长，时而缩短，通过变化打造出多样化的穿搭风格；当代女性形象的飞跃令人惊讶，系列重新审视了上世纪 60 年代的轮廓，用令人愉悦的格纹套装探索了 Lolita 美学，然后用柔软飘逸的网纱增添了几分风情；大皇宫高耸的几何钢筋和玻璃结构，与斜纹软呢上的矩形格纹、黑色灯罩裙上的拱形格子图案交相辉映；温和的蓝色古董印花散落在披肩、裙摆和衬衫上，随后牛仔布以水钻形式呈现在现代轮廓上；每个造型都有羽毛装饰，有真羽毛，也有碎雪纺和薄纱花瓣制成的羽毛，以契合主题的“飘逸感”；除了饰有鸵鸟毛的华丽晚礼服外，还有一些基本款式，如粉色针织衫和钩针编织连衣裙、闪闪发光的牛仔裤和彩色羽毛印花的真丝混纺单品。

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另外，本次最受关注的新颖设计之一，就是采用了 Denier 面料（是一种衡量纤维厚度的单位，通常用于尼龙、丝绸和其他纺织品）。这种很少出现在 CHANEL 设计中的面料似乎是一个大胆的选择。配饰上，一如既往成为秀场主角——超大型山茶花装饰着太阳镜的镜框，高台牛津鞋完全以 1930 年代风格亮相，双色布洛克鞋、高跟凉鞋点缀有珍珠，宝石纽扣和水洗蝴蝶结等珍贵细节。

曾经在一个截然不同的时代中，随着 Chanel 女士于 1971 年去世，品牌在 11 年后才任命 Karl Lagerfeld 为“终身”高级定制的创意总监。期间，品牌可以依靠档案和香水自立门户、茁壮成长。而眼下， CHANEL 正处于关键时刻。

望着眼前的一切，尽管 CHANEL 很难找到如同 Karl 一样的继任者，但品牌所有者非常清楚，与其寻找“明星设计师”，不如找到一个能够对品牌充满热诚，并希望将其带入希望的人。正如 CHANEL全球时尚总裁 Bruno Pavlovsky 在秀后所说，“我们需要一个以产品为导向的人，因为它们才是品牌的真正核心。显然，这是一个重要的选择，不是一个短期决定。”

当反光板打开时，舞台上的霓虹灯写着“Louis Vuitton Paris”，在巴黎时装史上又写下了重要篇章。移动的 T 台上装饰着 1000 多个行李箱，各种类型和颜色相互“叠罗汉”，让人联想起品牌起源，象征着其在旅行和时尚界的起步。这一选择并非偶然：行李箱不仅代表了品牌的一段历史，唤起了人们对于旅行和冒险的想象；同时，自 Nicolas Ghesquière 入驻 Louis Vuitton 后的第一件设计作品，就是将传统产品行李箱微型化、柔软化，从而诞生出了可爱的“Petite Malle”。

本季，历史主义风格表现得淋漓尽致，有泡泡袖、大裙摆、拖地长裙、镶满宝石的短裤上的褶饰、荷叶边连衣裙、Scheherazade 风格（《一千零一夜》中的经典人物）的亮片和雪纺哈伦裤。Ghesquière 利用同样叠箱子的手法，将“搭积木”的建筑手法融入到成衣设计中。Flou 工作室制作夹克，Tailleur 工作室制作“极为流畅的连衣裙”；文艺复兴风格的夹克与机车风相结合，创造出“长袍式”的强大轮廓；造型上大胆尝试，加入流苏和披肩元素，让非对称的裙子和薄纱进一步丰富了设计提案。总言之，不同元素交织在一起，形成了一种强烈的视觉语言，既展现了高级定制的精致，又表达了一种自发性的随意。

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其中，最引人注目的细节包括巨大的宝石装饰和全新款式的开衫，突显了 Louis Vuitton 一贯的奢华与工艺。压轴出场的是丝绸 T 恤，上面印有受艺术家 Laurent Grasso 的 5 件作品《Studies into the Past》启发的未来主义图案，增添了一丝超自然现象的阴森感，就像是画家 John Martin 在 19 世纪画出的末日作品。系列中还提供了一些不容错过的配件，例如经典棋盘格腰包和 Speedy 包款的全新演绎。鞋子则通过大胆的搭扣设计为整个系列注入了新的摇滚气息，增添了几分大胆。

毫无征兆地，Ghesquière 将法国花季少女几十年来处变不惊的时尚史放到了高架伸展台上。这是一种如此真实的法国风情，以至于无法用其他欧洲国家来形容。大胆想象一下，这位年轻女孩是一个自命不凡、复杂精致的存在，她对自身形象有着高度的认知。尽管在过去几十年中有所变化，但她仍然是一个非常典型的产物。正如公关稿中所说：“法国时尚是一种非凡的软实力形式，它是长期传承的结果，体现了精湛工艺、生活艺术和文化独特性。如果按字面理解， ‘软实力’是一个迷人的矛盾：优雅与力量，这两种对立现实的完美结合。”

在 Demna 执掌 Balenciaga 的 9 年时间里，他建立起一个令人不安的世界，从内部人士到最庸俗的观众，没有一场时装秀不引起大众的关注。本季，Balenciaga 有了新方向，秀场保持了暗色调的恐怖气氛。与往常一样，观众包括创意总监的众多贵宾、品牌大使和私人朋友。

然而，Demna 想要超越一般的时装秀，在布景方面融入了最为核心的部分——“把餐桌当 T 台”不仅仅是一个美学元素，还代表了 Demna 对初涉时尚圈的致敬。小时候，他经常在纸板上画画、剪衣服，在祖母的餐桌上举办小型时装表演。这张象征着创造力和童年激情的桌子，现在成为了他回归本源的象征，也是连接过去和现在的桥梁。

秀前，来宾都收到了一份特殊的邀请函。那是一包 Demna 小时候最喜欢吃的柠檬和薄荷糖，以及一枚刻有约会日期和地点的金色戒指，以此暗示着他（或我们）与时尚本身的联姻。显然，这不仅是一种情感诉求，也是对塑造其职业生涯的激情赞美。另外，Demna 还在社交平台上手写了一封信，内容多愁善感，认真陈述了他与时尚的最初记忆。

在 Kansas Joe McCoy 的《Why Don’t You Do Right?》旋律中，整场秀由内衣等亲密造型拉开序幕，让在场观众感受到了一种“精致的性感”。这与之前相比，非常不同。毕竟随着时间的推移，Demna 善于在陈词滥调中添加新的结构，在一个又一个系列中，让高潮与常态交替出现，以打破他人的固有模式。如今，Demna 又回到了伤感的记忆，让那些残留的卡片、剪下来的贴纸、摆在厨房桌子上的针线，以一种娓娓道来的方式，铺展出那些关于艺术语言和衣橱演变的故事。

接着，走秀的中间环节开始逐渐趋向于 Demna 日常穿衣的方式（或是男女基本款），比如巨型蓬松氯丁橡胶夹克以夸张的比例出现，露出了模特的整个下腹部。牛仔作为另一个核心元素，采用了无结构、低腰剪裁，让人想起千禧年的放肆；连衣裙后面像胸衣一样用宽丝带系住，露出了大片肌肤，让实用和私密之间构建起一座“很险”的桥。

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以上，所有的列举都并非“照本宣科”式的表达。记忆在此被扭曲，服装在此被解构。简单服装从本身状态转变为复合装扮：大衣像帽兜一样裹在头上，牛仔裤变成了风衣，裤腿弯曲成衣领，Demna 以复杂的概念化重塑了基本款。在最后，“晚装系列”带着全黑造型、优雅轮廓、混乱搭配、怪异比例等关键词亮相。而贯穿始终的配饰则再次验证了 Demna 的“合成美学”：眼罩形状的眼镜，与裸体碎片交织在一起；帽子可以戴在脸前，但仍能够直视前方；带有高跟鞋的闪亮连裤袜，彻底改变了人类下半身比例——所有的疏离感美学，都成为了我们热爱 Balenciaga 的原因。

最终，系列所传达的真正信息非常清晰。每件衣服背后都有一个由肉、骨骼和激情组成的个人故事。Demna 秀后在采访中也呼吁大家，请回归人性，保持热情，团结在一起，梦想彼岸终将抵达。

与上一季如出一辙，The Row 在秀前给每一个到场的人发放了笔和纸。这就意味着，我们没有任何资格在看秀过程中拍摄视频和照片，更不可能上传到网络。

Olsen 姐妹以掌握在自己手上的“精英主义”，来区分不同阶级之间的动态。毋庸置疑，她们有这个底气。毕竟，Chanel 背后的家族和 L’Oreal 的一位女继承人在最近为 The Row 提供了注资支持，帮助该品牌确立了时尚圈内的“高奢”地位。除此之外，The Row 近期还在巴黎开设了第一家精品商店，让不少“时髦精”宁可再繁忙，也不忘挤出一个小时去观摩店铺装潢。

换个开放式角度，The Row 这样的做法也是为了把人们的注意力更多地集中在服装本身，以“老式的方式”行事，不屈服于同行竞争的压力。比如本季，虽然款式简单、色彩单一，但眼前的一切就是高端基本款。棉质、真丝、羊绒混纺、初剪羊毛等材质贯穿主线，关键词主打“垂坠感”和“雕塑性”的版型，令人垂涎的包袋鞋履、花纹单品、手工艺品，Olsen 姐妹的确知道如何让那些中产阶级客户长久地留在身边。

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今年是 Nadège Vanhée-Cybulski 担任 Hermès 女装创意总监的第十个年头，她再次证明了自己为何能成为一股默默的力量，在巧妙塑造传统工艺的同时，从未背叛品牌高奢的基因。这在极致主义和奇观现象主宰伸展台的时代，Nadège Vanhée 的方法在克制中给人一种近乎激进的感觉，细节之处无不体现出精益求精的态度。

一如既往，Hermès 远离了季节性流行趋势，更倾向于设计实用性和多功能性兼具的单品。本季的必备包括轰炸机夹克、夹克衫和双面牛仔布，均采用深棕色、驼色、米色、胡桃色和黑色等暖色调，其灵感来自于设计师童年时期的阿尔及利亚（Algeria）之行。另外，多层次的设计经过深思熟虑，造型独特，既能保持自我风格，又能增加立体感、复杂性和功能性。说到细节，丝绸和羊毛材质的裹身防尘大衣上饰有环扣和眼镜口袋，而小牛皮大衣则巧妙地隐藏了拉绳背心。而印花上，为了创造出一种有趣的动态效果，设计师特意参考了意大利艺术家 Gianpaolo Pagni 手工雕刻的几何图形。

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轮廓设计把玩了对于光线的感知，通过印花和材料探索了“不透明和透明”之间的张力。无论是字面意义还是隐喻含义，透明性都是一种让人看到表面之下的邀请。一条飘逸的丝绸网状裙从中间拉开拉链，露出下面的高腰紧身裤；一条乌木棕色围裙通过浮雕的“Organdy”镂空织带，栩栩如生地展现了浮雕效果；棉府绸罩衫连衣裙和可翻转的 Chevron 牛仔夹克则更显休闲。

当然，著名的皮革制品依旧占据了中心位置，但又有所变化。Nadège Vanhée 设计的皮革不仅是对品牌历史的致敬，更是对新时代的重新诠释。比如被剪裁成短款上衣、迷你裙和绑带长裤，融入了高级定制技术，展示了品牌在图案剪裁和制作方面无与伦比的专业技能。配饰也体现了 Nadège Vanhée 对于触感的追求——驼色和牛皮纸色调柔和的木底凉鞋与结构性较强的单品形成有机对比，而几何形耳环则用 Hermès 标志性手袋的相同皮革片制成，为成熟质感注入了俏皮元素。说到手袋，Birkin à l’envers 和 Plume 手袋再次登场，为整个系列注入了更多传统又不失去现代的元素。

Nadège Vanhée 始终明白，真正的奢华不是大声喧哗，而是低声细语。在这个系列中，她低语了一些深刻的东西：时尚是关于工艺，关于花时间做好每一件事。

于大特里亚农宫（Trianon in Pigalle）展出的 Mugler 25 春夏系列的 29 个造型中，“花卉世界”以一种略带“世界末日气息”和“相当不浪漫”的方式，巧妙地在概念上得到了大众认可。幽灵般的音乐充斥着秀场，模特们剃掉两侧棱角分明的发型，咯吱咯吱地走在木地板上。

如果说，近期 Casey Cadwallader 的系列都充满了华丽与夸张，那么这次的设计则显得相当宁静与私密。首位模特穿着一件黑色短款西装裙，站在厚底鞋上登场，裙子仅用一颗钮扣固定，宛如花朵的“花苞”，为绽放预留了空间。

接下来，不同的造型都朝着相同的方向发展：束腰黑色夹克，轻盈流动的面料在模特肩上绽放，宽臀几何与抽象轮廓的定制裤装。甚至中途出现的黑色雾状连衣裙，像云雾一样笼罩着模特；紧随其后的是一件饰有水晶球的透明雨衣，寓意无论晴雨，这些花朵都需要应对末日风暴。眼前这些造型仿佛从绿色繁茂的现实中走出来，让人几乎想要投入到一簇海棠花中，去切身感受夏日晚风中 Fontainebleau （枫丹白露）宫殿中乡间别墅的别样风情。

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其实，“花卉”元素可以追溯到品牌创始人 Thierry Mugler 的 82 春夏系列。当时他将模特变成了绽放的巨大花朵。而到了 Cadwallader 这边，他利用科幻视角，将手绘天鹅绒提花打造成棱角分明的花瓣，在纤细的模特身上如同破浪般起伏；或是让瓢虫和甲虫占据中心位置，爬行在紧身胸衣、西装外套和连衣裙的复杂结构中。

另外，牛仔裤是 Mugler 的第一大类别。Cadwallader 说：“我们有一大批原色牛仔布，更偏向于休闲风格，但我解决这个问题的方法是，包包和鞋子都由完全相同的牛仔布制成。这是一种有趣的变化，你把西装的正式感运用到完全不同的牛仔布上。”

同样，本季还展现了设计师对于史诗世界的热爱，如束腰的卡其夹克和用绑带收紧的中性西装，隐约让人联想到马术爱好者的周日着装。一些模特的套装摒弃了隐喻，直接向自然致敬，例如黑色连衣裙上绣有彩色花朵，或迷你裙上装饰着某种交织的黑色网状物，令人联想到花瓣上精致的纹理。Cadwallader 成功地赋予了花卉主题一种出乎意料的解读，黑暗却不过分沉重，尤其避免了临近品牌 50 周年纪念这一时刻可能带来的忧郁之感。

如果我告诉你，不仅是新系列，在 Vinted 上购买的二手服装也会出现在新一季的 T 台上，你会怎么看？

刚刚在巴黎迪斯尼乐园展示了 25 春夏系列的 Coperni，让一位模特在走秀时穿了一件在转售平台上购买的米老鼠印花 T 恤。该品牌的一位团队成员通过社交媒体向卖家透露了这一消息，据称他从卖家那里买到了这件 T 恤，甚至还对已经很低的价格进行了讨价还价。而卖家也通过 LinkedIn 核实了 Vinted 账户的名字与 Coperni 员工的名字一致。

以上发生的一切，或许只是 Coperni 制造的另一个“噱头”。但无论如何，这场“公主与恶魔同行”的时尚童话，确实让那些迷恋迪士尼文化的粉丝感受到了一丝慰藉。

为了展望未来，Coperni 的“双人组”Arnaud Vaillant 和 Sébastien Meyer 决定回顾过去，不仅是他们的过去，也是观众的过去，向童年、魔法和集体想象力致敬。两位创作者的目的不是重写历史，而是将历史融入当下，通过当代诗歌为历史注入新的活力，超越怀旧，创造一个过去、现在和未来交汇的想象空间。这本诗集谈到了他们，谈到了品牌，但更多的是谈到了我们——所有的王子和公主、英雄、叛逆者，甚至是有意无意出来的“反面角色”。因此，让我们坐上 Coperni 的情感过山车，系好安全带，穿越时空和维度，从白雪公主的小屋到灰姑娘的城堡，从破烂的衬裙到豪华的舞裙，从小美人鱼的海洋到美女与野兽的城堡，以及世界尽头与冷酷仙境。

众所周知，迪斯尼童话故事代表了善与恶之间的不断斗争，而 Coperni 则希望通过三个片段来表现这种对立。第一片段的主题围绕着公园及其部落，可以说是由那些每天为保持魔力、巧思和轻盈感做出贡献的仙子所组成。该部分庆祝了青春和纯真，旨在捕捉无忧无虑的少年时光，灵感来自维多利亚风格的元素。其中，迪士尼 T 恤与现代元素混搭，展现出如同一个孩子在不受任何外界审判的情况下自由搭配的不羁。

接下来是第二片段（最有趣的一部分）：向反派们致敬。一系列单色的结构化服装逐一登场，象征着伴随成长而来的挫折与困惑，将经典的反派元素转化为现代且引人注目的服饰，如带有 Maleficent（《睡美人》中反派角色）标志性尖角领的黑色小礼服，就像是地牢尖顶一样。

第三片段致敬公主及其转变，纯真重新焕发力量，花朵变为仿生，连衣裙发生变化，突显并鼓励纯真重生为强大的女性气质。此时此刻，现场烟花四射，Kylie Jenner 戴着歌剧手套，穿着氨纶绉绸公主裙，为整场秀画上了一个完美句号。

配饰上，Mickey Mouse Swipe Bag 是 Coperni 推出的限量版新品之一，采用黑色皮革制成，并带有标志性的米老鼠耳朵。这款包不仅是一个时尚配件，还展示了品牌如何利用“快速液体打印”等创新技术来创造独特产品。此外，Ariel Swipe Bag 则是对《小美人鱼》的致敬，采用回收硅胶材料设计，展现了 Coperni 对于可持续发展的承诺。

毋庸置疑，通过这一合作，Coperni 正式进入迪士尼的传奇历史，成为第一个在神话城堡前举办时装秀的品牌。活动现场的强大感染力和品牌的流行度无疑为此次活动的成功做出了重要贡献。然而，人们期望这些服装能够讲述一个完整的故事，与迪士尼的集体想象产生对话。但最终，一些设计未能达到预期。至于，未来会怎样？Coperni 是否能将这一经历转化为更具创新性和实质性的下一章？只有时间能给出答案。

Anthony Vaccarello入主Saint Laurent已经8年了。这场女装秀，他回到了第一次办秀的地方：Saint Laurent总部37 Rue De Bellechasse。巴黎的雨水为深蓝色的马拉喀什花园式地板镀了一层“膜”，与头顶上的椭圆形金色天窗相呼应，召唤出Yves Saint Laurent与Loulou de la Falaise的幽魂行走其间。

是的，这场秀中24个造型酷似Yves Saint Laurent本人，25个造型则像他的挚友、合作伙伴Loulou de la Falaise。前者并不是男装，而是刘雯、Bella Hadid们穿上宽肩西服、戴上粗框眼镜所扮成的女版Yves。后者则重新演绎了不少1980年代Yves Saint Laurent的典藏设计，那些锦缎外套就像是从Loulou de la Falaise照片上脱下来的。

不，他们俩是同一个人。

Loulou是Yves心中的另一个自己，女性化的自己。正如Yves Saint Laurent本人所言:“我即为Saint Laurent女郎化身。”也因此，Yves知道女人们要什么，他从来没有将她们客体化。

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Loulou日常也爱穿着中性化的风衣和皮夹克。而Yves喜爱的模特Betty Catroux总穿西装，那套在时装史上开天辟地的吸烟装 (Le Smoking) 就是以她为灵感设计。这不仅仅是女人穿上“男人的衣服”，在Yves眼中衣服就是衣服，没有“分别心”。

8年来，Anthony Vaccarello赋予了Saint Laurent男孩阴柔之美，给予了Saint Laurent女郎力量之美，这些美是基于廓形和线条建构的，在这个时代重塑了YSL的模样。

这个系列后续发布的lookbook很有意思，穿着西装的模特们摆出了Yves当年的招牌姿势。不过，看到叉开腿坐着的Bella Hadid，不由得想起Taylor Swift那只MV《The Man》。

Rabanne创意总监Julien Dossena是填补创意总监“空椅子”名单中反复被提及的名字。过去11年来，他用自己的技术与想象力帮助Puig集团重新唤醒了Paco Rabanne的锁子甲和未来主义。

现在，他需要将Rabanne从未来主义带回现实。Julien Dossena也从男士衣橱里“窃取”了一些东西。那是脱掉西装之后的模样：银行家式的条纹衬衫敞开着，露出条纹T恤的内衣，下装是藏在西裤里的男式平角短裤。

Julien Dossena在寻常之中，加入了一点不寻常。美妙的配色，丰富的叠搭，漂亮的金属涂层以另一种方式延续了Rabanne的DNA。

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“金属感”反而是Julien Dossena赋予Rabanne的柔美。他用轻薄飘逸的方式重塑了Paco Rabanne的锁子甲：金属片刺绣在三角形的丝绸上。Edie Campbell在派克大衣里穿着一条镶满钉珠的裙子，就是Rabanne走入日常的正确方式。

当然，这不是全部。一只由157片黄金制成的锁子甲手袋是这场秀的“传播点”，售价25万欧元。

它是致敬1968年品牌创始人Paco Rabanne为Françoise Hardy打造的纯金裙装。这件号称“全世界最昂贵的衣服”由1000块黄金和300克拉钻石打造，也是2008年Rabanne推出的畅销香水1 Million金砖包装的由来。

在秀场上，一身金色锁子甲的Libby Bennett拎着这只包出场，看起来就像是回到了Space Age。他们还推出了白色陶瓷版本和Murano玻璃版本。

作为一家以香水业务见长的集团，Puig的高管们显然也希望香水业务能够借助时装周获得更高的知名度。1 Million最近出了新版本Million Gold for Her，重新提及那条裙子，正是时候，这场秀开场的Gigi Hadid便是代言人。

前不久，雅诗兰黛集团为其开发的美妆业务线Balmain Beauty正式发布了香水系列Les éternels。

Olivier Rousteing没有像Rabanne那样把Balmain Beauty的宣传做得那么隐晦，而是大张旗鼓地变成了时装本身。彩妆盘一样的晚装包，香水瓶形状的鞋舌，口红状的鞋跟，香水瓶盖式的耳环……描绘上妆之后的面孔与涂着指甲油的手成为时装上的巨幅图案，它们不是印上去的，而是工匠花费数周将数十万颗钉珠拼成了这些逼真的图案，呈现出璀璨的效果。

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在“静奢”统治时尚行业的当下，Olivier Rousteing更热烈地拥抱浮夸与奢华：巨大的面孔，高耸的宝塔肩，夸张的臀部结构，艳丽的色彩，金灿灿的装饰……它们看起来如此坎普。

Olivier Rousteing表示自己从来没有买过那些“安静”的“好品位”产品。也许，已经死过一次的Olivier Rousteing会觉得，喧嚣而热烈地过每一天，才是活着的证明。

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不过，有意思的是，当Olivier Rousteing用力地刻画着女性曲线、强调其性别特征时，Balmain女郎所呈现出的性别面具却变得超现实了。

相比起来，超现实主义者Schiaparelli在这一季却收敛了锋芒。相比起Balmain，Schiaparelli显得“安静”。

这场秀是从一件男式白衬衫开始的，紧接着是Polo衫，背心与牛仔裤的搭配，还有运动卫衣套装，沙滩裙。唯一的刺绣出现在最后三件礼服上，亮片组成了花卉图案装点着简洁的迷你背心裙。

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不过，Daniel Roseberry不会让“基本款”基本，精彩的廓形让它们耳目一新。

你可以在一件训练服或者皮夹克上看到Paul Poiret东方主义歌剧斗篷的影子，在沙滩裙腰间上看到trompe-l’oeil围巾图案，在一件背心或polo衫上找到古典束胸衣的形态……沙漏型的曲线贯穿整个系列，但可以感受到Daniel Roseberry与Olivier Rousteing对待夸张曲线的微妙差异。Schiaparelli这一季所有剪裁都是无结构的。

Daniel Roseberry没有那种“看我！看我！”冲动。他希望将Schiaparelli带入日常，而不只是那些宛如雕塑和艺术品的高级定制礼服。Daniel Roseberry将自己夏天在伊比沙岛度过的日子写入了Schiaparelli，透着一种轻松、惬意。

是的，明年的度假胜地，你会一眼认出穿Schiaparelli的女人，她们是日常生活的旁观者。